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Veja publicação original: O museu que vende ‘warhols’ para comprar obras de mulheres e negros
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Por Álex Vicente
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Uma pinacoteca de Baltimore se desfaz de vários quadros do seu acervo para financiar a aquisição de peças de grupos sociais pouco representados, e assim corrigir o cânone da arte
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Há museus que alardeiam a vontade de abrir suas salas, num futuro hipotético e necessariamente distante, a mais mulheres e artistas de minorias étnicas. E existem aqueles que realmente colocam esse objetivo em prática. O Museu de Arte de Baltimore (BMA) se encaixa, sem dúvida, no segundo grupo. A pinacoteca norte-americana, soberana instituição fundada em 1914 nesta cidade da Costa Leste, causou espanto e dominou as manchetes com a venda de sete obras de sua coleção, assinadas por nomes de primeiro nível como Andy Warhol e Robert Rauschenberg, para financiar a compra de outras peças de artistas pertencentes a coletivos sub-representados em suas salas. Principalmente de mulheres e afro-americanos. Trata-se de “corrigir ou rescrever o cânone artístico do pós-guerra”, diz o diretor do museu, Christopher Bedford, um escocês de 40 anos que chegou ao BMA há dois anos com a deliberada vontade de sacudir as estruturas.
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“Nosso mandato como museu consiste em colecionar as obras mais relevantes da atualidade. Para conseguir isso, temos de nos livrar de preconceitos de outros tempos, que institucionalizaram o racismo e a discriminação de gênero dentro do museu e continuam a influenciar nossa abordagem à história da arte,” afirma Bedford, que em 2017 foi curador do pavilhão dos EUA na Bienal de Veneza, ocupado pelo artista afro-americano Mark Bradford. “É uma tentativa de dizer que o relato narrado por nossa coleção não é exato, porque se baseia em princípios de exclusão que não se adequam aos nossos valores atuais”, acrescenta. Considera que este desequilíbrio é ainda mais flagrante em uma cidade como Baltimore, de maioria afro-americana: segundo dados do censo de 2010, 64% de seus residentes são negros. No entanto, em uma tarde de verão, é difícil encontrar algum no museu, exceto os vigias das salas.
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O BMA tomou medidas drásticas para acabar com essa situação. Em maio, o museu se desfez de cinco obras num leilão na sede nova-iorquina da Sotheby’s. Entre elas havia peças de figuras destacadas da abstração norte-americana, como Franz Kline, Kenneth Noland e Jules Olitski, além de um quadro da série Oxidation Paintings (1978), que Warhol realizou convidando alguns de seus amigos a urinarem sobre uma tela coberta de pintura metálica. Outro grande formato do artista pop, Hearts (1979), deveria ser transferido em uma venda privada nas próximas semanas, assim como um mural de Rauschenberg, Bank Job (1979), grande demais para ser exposto regularmente. Ao todo, a venda das obras, todas elas assinadas por homens brancos, deveria gerar um mínimo de 12 milhões de dólares (45 milhões de reais), que passarão a integrar um fundo destinado a cobrir os buracos no acervo artístico posterior a 1945. Até agora, o orçamento anual do museu para as novas aquisições era de 475.000 dólares (1,78 milhão de reais).
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O gesto é louvável, mas pressupõe que qualquer visitante afro-americano sempre preferirá ver uma obra de um artista de sua mesma cor de pele que um quadro de uma figura fundamental como Warhol. “É alguém importante para todo mundo, também para os negros. Mas já temos muitas obras dele no museu. Contamos com uma superabundância de material que nos faz continuar contando a mesma história da arte repetidamente”, responde Bedford. “Acho que podemos fazer um trabalho mais efetivo se nos desfizermos de uma ou duas obras dele. Não terá praticamente nenhum impacto em nossa maneira de relatar a história da arte.” É verdade que o museu conta com outras 94 obras de Warhol em seu acervo, e que os demais artistas revendidos também continuarão figurando na coleção através de obras que o BMA considerou de maior qualidade. Não se pode esquecer que Kerry James Marshall, novo superastro da arte afro-americana, que em maio bateu um recorde ao vender um de seus quadros por 21 milhões de dólares (78,7 milhões de reais) costuma recorrer a um homem branco para resolver seus problemas com a reprodução da luz sobre a tela. Seu nome é Rubens.
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UM FENÔMENO POLÊMICO, MAS HABITUAL NOS ESTADOS UNIDOS
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A revenda de obras dos acervos museológicos é incomum na Europa, onde elas costumam ser patrimônio público e não podem ser oferecidas a quem fizer a melhor oferta, salvo casos excepcionais. É muito mais habitual nos Estados Unidos, onde os museus tendem a ser estruturas privadas e funcionam com relativa autonomia. “Quase todos os museus enciclopédicos dos Estados Unidos desenvolveram campanhas deste tipo, alguns inclusive na década posterior à sua fundação”, afirma Martin Gammon, fundador do Pergamon Art Group, que assessora coleções públicas e privadas, e autor de Deaccessioning and Its Discontents (MIT Press), recente volume sobre a história dessa prática.
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Se a decisão de Baltimore não despertou excessivas críticas, salvo um ou outro artigo indignado na imprensa local, outras iniciativas similares levantaram sonoras polêmicas. Em 2013, a Academia de Belas Artes da Pensilvânia vendeu um dos seus dois quadros de Edward Hopper para financiar a compra de obras de artistas afro-americanos como Mark Bradford, Odili Donald Odita e Mickalene Thomas. Em 2009, o Rose Art Museum, em Massachusetts, esteve a ponto de fechar suas portas e de vender uma coleção de 900 obras, nas quais figuram obras de Andy Warhol, Roy Lichtenstein e Jasper Johns. A Universidade Brandeis, dona do museu, anulou a operação perante a indignação do mundo da arte e do anúncio de sanções por parte da Associação de Diretores de Museus de Arte, que só permite vender obras se for para comprar outras novas.
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Nos anos setenta, o Museu Metropolitan de Nova York foi criticado pela revenda de diversas obras para ajudar a pagar os 5,5 milhões de dólares do Retrato de Juan de Casal, de Velázquez, e depois se desfez de quadros menores do pós-impressionismo para adquirir uma escultura de David Smith e uma tela de Richard Diebenkorn, comprada a preço de custo e avaliada hoje em mais de 10 milhões de dólares. Mas a aposta sempre acarreta riscos. “Em 1945, o Museu de Arte de Rhode Island vendeu A Vida, de Picasso, a mais importante do período azul nos acervos norte-americanos, para adquirir um Renoir de segunda linha, quando sua cotação estava em alta no mercado. Uma decisão que não superou o exame da passagem do tempo”, conclui Gammon.
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